A Revolução Visual de Supergirl e a Crise dos Pôsteres Atuais
O Impacto do Design de Supergirl
O pôster de “Supergirl” é, sem dúvida, um feito de design que captura a essência do que promete ser o novo capítulo da heroína no universo DC de James Gunn. Sua força reside na simplicidade e na profundidade dos detalhes. O logotipo da Casa de El, em cores primárias brilhantes, domina o fundo, grafitado numa parede, uma escolha elegante que dispensa a necessidade de explicitamente soletrar o nome da personagem ou sua conexão com o universo Superman. Essa representação, em particular, funciona como uma metalinguagem sutil, indicando que “se você procura pelo escoteiro Clark Kent, pode seguir em frente”. No centro, a atriz Milly Alcock, que interpreta Kara Zor-El, adota uma pose de “não me importo”, vestindo um casaco, óculos escuros e fones de ouvido retrô, elementos que gritam atitude e rebeldia. A tagline, “Truth. Justice. Whatever.”, sela a imagem, fornecendo uma compreensão imediata da personalidade irreverente e contemporânea da nova Supergirl, um contraste marcante com as representações tradicionais de heroísmo. Este pôster é um exemplo de como uma única imagem pode comunicar uma narrativa complexa e cativante.
A Monotonia Dominante em Hollywood
Contrastando fortemente com a originalidade do pôster de “Supergirl”, a maioria dos designs de filmes modernos, especialmente no gênero de ficção científica, sucumbe a uma fórmula repetitiva e, muitas vezes, tediosa. O padrão predominante envolve uma montagem de rostos famosos dos atores, frequentemente criados com software de edição de imagem, apresentados em tons monótonos ou quase monocromáticos. Essa abordagem não apenas carece de inspiração artística, mas também dificulta a distinção de detalhes, exigindo quase um exame minucioso para discernir elementos cruciais. A prioridade parece ser a inclusão contratual de todos os astros principais, em vez de criar uma obra de arte que chame a atenção e comunique a essência do filme. O resultado são pôsteres que falham em se destacar em meio à cacofonia visual dos multiplexes, perdendo a oportunidade de gerar o hype e a curiosidade que um bom design pode provocar. Esta falta de criatividade não é uma característica intrínseca do gênero, que já foi berço de algumas das mais icônicas artes cinematográficas da história.
Um Retorno à Era de Ouro da Arte Cinematográfica
Do Hype dos Anos 50 à Subtileza dos Anos 70
A história dos pôsteres de ficção científica é rica em inovação e arte, um contraste gritante com a uniformidade atual. Na década de 1950, o gênero, especialmente com os filmes B, usava seus materiais promocionais como geradores de hype descarado. Artistas eram comissionados para criar imagens dramáticas e exageradas de aranhas gigantes, monstros colossais e, em um notável exemplo, mulheres gigantes de 15 metros, priorizando o espetáculo visual sobre a precisão do enredo. Pôsteres para filmes como “O Dia em que a Terra Parou” (1951) e “Planeta Proibido” (1956) apresentavam robôs furiosos carregando mulheres em trajes sumários, cenas que não existiam nos filmes, demonstrando uma licença artística que buscava cativar a imaginação do público. Uma década depois, a ficção científica espacial, com obras como “2001: Uma Odisseia no Espaço” (1968) e “Corrida Silenciosa” (1972), adotou uma abordagem mais contida. Seus pôsteres, focados em hardware e naves espaciais, pareciam capas de romances de ficção científica hard, enfatizando a seriedade e o futurismo. Curiosamente, os famosos pôsteres conceituais de “2001”, com a imagem da “criança das estrelas”, só foram criados para o relançamento de 1970, quando os executivos tentaram capitalizar a crescente reputação do filme como um clássico da contracultura psicodélica, mostrando a adaptabilidade do marketing da época.
Star Wars, Alien e o Legado de Mestres Ilustradores
O verdadeiro divisor de águas para os pôsteres de ficção científica, e de certa forma para toda a arte de pôsteres, ocorreu no final dos anos 70, com o lançamento de “Star Wars” e “Alien”. Os primeiros pôsteres de “Star Wars: Uma Nova Esperança” podem parecer montagens de personagens à primeira vista, mas revelam uma genuína maestria artística em sua composição. O famoso pôster “Estilo A” de Tom Jung, embora distante da precisão cinematográfica (o que aconteceria com o sabre de luz de Luke e seu “tanquinho” improváveis?), capturava sem esforço a essência de ação do filme. O design “Estilo C” de Tom Chantrell, talvez ainda mais icônico, unia todos os personagens chave em uma colagem cinética maravilhosa de lasers, sabres de luz e X-wings. Este subgênero de arte de pôster foi posteriormente dominado pelo lendário Drew Struzan, cujos designs pintados à mão para filmes como “Indiana Jones e a Última Cruzada”, as edições especiais de “Star Wars”, as prequels de “Star Wars”, “Blade Runner” e até “Os Muppets: O Filme” estabeleceram um padrão de excelência. Struzan buscava que o pôster parecesse uma aventura, uma visão que transparecia em cada obra. Em 1979, o design icônico de “Alien”, com a tagline “No espaço, ninguém pode ouvir você gritar” e um único ovo extraterrestre, popularizou o pôster conceitual, sugerindo os horrores que Ridley Scott tinha em reserva. Muitos dos pôsteres mais memoráveis das décadas de 80, 90 e 2000 seguiram essa abordagem, optando por uma única imagem abstrata — E.T. e Elliott silhuetados contra a Lua, uma nave alienígena pairando sobre Nova York em “Independence Day”, ou os logotipos minimalistas e amigáveis de “Os Caça-Fantasmas” e “Jurassic Park”. O célebre pôster de Struzan para “O Enigma de Outro Mundo” de John Carpenter, com um homem sem rosto em uma parka, nasceu da necessidade, com o artista tendo poucas informações além de ser um remake. “Tive que encontrar uma maneira de transformar o nada em algo”, disse Struzan sobre um design que, segundo relatos, criou em uma única noite, demonstrando o poder da criatividade sob pressão.
O Desafio Contínuo da Arte no Cinema Contemporâneo
Todos esses designs históricos compartilham uma característica fundamental: além de serem excelentes ferramentas de publicidade para seus respectivos filmes, são autênticas obras de arte. É uma tradição que criadores modernos, como o brilhante Matt Ferguson, e notáveis exceções, como os pôsteres de “Alien: Romulus” e “A Chegada”, se esforçam para manter viva. Contudo, o lobby de um multiplex contemporâmetro raramente se assemelha a uma galeria de arte, como poderia ter sido no passado. Embora a tendência humana seja lembrar as grandes obras e esquecer os fracassos, a verdade é que os pôsteres de filmes modernos raramente atingem o nível de qualidade e inspiração de outrora. Com montagens muitas vezes baseadas na importância contratual das estrelas, muitos parecem ter sido criados por um comitê, e não por um único artista visionário. O resultado é um design que foi o “menos odiado” por executivos, agentes e advogados, em vez de um que realmente inspirou e cativou alguns. Basta observar os pôsteres de “Transformers”, que parecem ter sido passados por um filtro de lama, ou o design de “Vingadores: Era de Ultron”, tão lotado que lembra uma versão da Marvel de “Onde Está Wally?”, para perceber a prevalência dessa mentalidade.
A questão que paira é se Hollywood simplesmente deixou de se importar com a arte do pôster. Talvez suas pesquisas de mercado indiquem que montagens padronizadas geram os melhores resultados de bilheteria, ou que os pôsteres tradicionais são insignificantes em comparação com a influência das mídias sociais e dos trailers na decisão do público de comprar ingressos. No entanto, se a medida de um bom pôster de filme é algo que você gostaria de emoldurar e pendurar na sua parede, a geração atual é, em sua maioria, carente. Portanto, independentemente do sucesso de bilheteria de “Supergirl”, é crucial celebrar a arte estilosa e memorável de seu pôster. Ele representa uma maravilhosa quebra do status quo, um lembrete do potencial criativo da publicidade cinematográfica e um aceno para uma era em que os pôsteres eram, por si só, verdadeiras declarações artísticas que merecem ser apreciadas e emuladas.
Fonte: https://www.space.com
